2 x 1: "Supergrupos del 2000"

El gran filósofo Homero Simpson dijo una vez que "El Rock alcanzó la perfección en el ´74", algo muy cierto! Pero la década del 2000 ha dejado dos supergrupos con carreras muy breves pero que han dejado su marca indeleble en la historia del Rock and Roll.

Una es Audioslave, banda nacida en el 2000 y conformada por 3 miembros de Rage Against The Machine (Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk) y el cantante de Soundgarden, el señor Chris Cornell. En sus principios la prensa los criticaba despectivamente diciendo que su sonido era una mezcla de sus antiguas bandas, pero con el correr del tiempo fueron logrando una personalidad propia. Si bien han grabado 3 discos (Audioslave, Out of Exile y Revelations), ser la primera banda estadounidense en brindar un concierto al aire libre en Cuba, han tenido 3 nominaciones para el Grammy y han vendido 7 millones de discos, en 2007 se separan debido a "diferencias irreconciliables a nivel personal y musicales". Luego Cornell comenzaría una carrera solista y se reuniria nuevamente con sus ex compañeros de Soundgarden y los ex RATM se juntarían con su viejo compañero Zack de la Rocha para volver al ruedo con su antigua banda.

Y la otra es Velvet Revolver. Formada en 2002 con 3 ex miembros de la mas grandiosa formación que ha tenido Guns N Roses en toda su historia, es decir Saul Hudson (Slash para los amigos), Duff Mc Kagan y Matt Sorum, mas el agregado de Dave Kushner y del ex cantante de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Este puesto (el de cantante, me refiero) estaba siendo disputado por otros cantantes, entre los cuales se destacaba Sebastian Bach, ex Skid Row. Pero finalmente el loco Weiland se queda con el puesto y en 2004 graban su primer disco, "Contraband". Un excelente disco, muy hardrockero y muy casi en la onda de GNR. En 2007 lanzan su segunda placa, "Libertad" y para 2008 nos visitan al pais en ocasión del Quilmes Rock de ese año. Pero poquitos meses despues, sus compañeros anuncian que Weiland es despedido por "su cada vez más errático comportamiento en escena y sus problemas personales".

Hoy hay rumores de que se volverían a juntar (sin Weiland, obviamente) pero todo quedó en veremos...

Cover me!: "The great southern trendkill"

Los covers son así. Van de un extremo al otro sin temer por las consecuencias. En este país estamos bastante curados de espanto respecto a esto porque podemos encontrar desde un tema actual a uno muy viejo versionado a cumbia santafesina o cosas por el estilo.

Pero vamos a ver que pasa por Yanquilandia.

En 1996 Pantera pasaba por un momento un tanto delicado en lo que respecta a adicciones, mas precisamente de su frontman Phil Anselmo y también a lo que eran las relaciones entre los miembros de la banda, ya que las bases las grabaron en un lugar y las voces en otro. Y en cuanto a sus discos ya habian como perdido un toque de la magia que tenían "Cowboys from hell" y "Vulgar display of power", pero seguían haciendo buenos y poderosos discos. Uno de ellos es "The great southern trendkill" del ´96. Y como muestra de esa contundencia sonora, nada mejor que el tema que da nombre al disco.

Un dia buceando por YouTube encontré este video grabado unos cuantos años después (no solo del lanzamiento de este disco sino que también de la disolución de Pantera y del asesinato de Dimebag Darrell) por esta banda llamada The Bailey Hounds y hacen este cover sumamente arriesgado. Léase arriesgado en el sentido que pasan del Heavy Metal a algo rozando el Bossa Nova y la música alternativa.

Cambiame la música! Hear N Aid "Stars"

Inauguramos una nueva sección (otra mas!) en Gloria al Rock. Esta simplemente va a funcionar como el cuelgue de un video cualquiera y algún comentario respecto del mismo. Nada mas! Creo que lo mas dificil de todo fue no solamente elegir el primer video para esta sección, sino que fue la elección del título de la misma. Asique le pedimos prestada una de sus muletillas a Johnny Allon y voilá!

En fin. El video que hoy nos compete se lo podría calificar como el "We are the world" metalero. Un dia el bueno de Ronnie James Dio se levanta de su cama y dijo "Voy a juntar a algunos amigos y vamos a hacer una canción para beneficiencia. Si Michael Jackson y compañia lo hicieron, porque no nosotros?". Asique agarró su agenda, empezó a telefonear de lo lindo (contemos con que en 1985 no existia el E Mail, lo cual le podría haber ahorrado mucho laburo) y pudo juntar en un mismo estudio de grabación a personajes de la talla de Rob Halford (Judas Priest), Yngwie Malmsteen (cuando era flaco...), Dave Murray y Adrian Smith (Iron Maiden), Kevin DuBrow (Quiet Riot), Blackie Lawless (W.A.S.P), los integrantes de Spinal Tap y un interminable etcétera.

Esta canción se incluyó en un disco llamado "Hear N Aid", que incluía este tema ("Stars") junto con versiones en vivo de Motorhead, Accept, Rush, Kiss, Dio, Y&T, Scorpions y hasta un tema inédito de Jimi Hendrix. Lo que se recaudaría de este disco iba a ayudar a mitigar el hambre en África.

No solo hubo solidaridad para ayudar a la gente pobre de África sino que también hubo solidaridad entre los guitarristas para que todos (al menos un poquito) puedan tocar en el interminable solo de guitarra de la canción. Y como todos no podían cantar, hicieron un potente coro en el estribillo entre todos. Y asi guitarristas, cantantes y bateristas convocados (que incluso tienen su solo de bateria) se fueron contentos!

En el video pudieron ver todos los que fueron aportando su voz, sus guitarras a la causa. Igualmente a continuación va el listado completo de convocados para este proyecto. 

Vocalistas

• Eric Bloom (Blue Öyster Cult)
• Ronnie James Dio (Dio)
• Don Dokken (Dokken)
• Kevin DuBrow (Quiet Riot)
• Rob Halford (Judas Priest)
• Dave Meniketti (Y&T)
• Paul Shortino (Rough Cutt)
• Geoff Tate (Queensrÿche)

Coristas

• Tommy Aldridge (Ozzy Osbourne)
• Dave Alford (Rough Cutt)
• Carmine Appice (Vanilla Fudge/King Cobra)
• Vinny Appice (Dio)
• Jimmy Bain (Dio)
• Frankie Banali (Quiet Riot)
• Mick Brown (Dokken)
• Vivian Campbell (Dio)
• Carlos Cavazo (Quiet Riot)
• Amir Derakh (Rough Cutt)
• Buck Dharma (Blue Öyster Cult)
• Brad Gillis (Night Ranger)
• Craig Goldy (Giuffria)
• Chris Hager (Rough Cutt)
• Chris Holmes (W.A.S.P.)
• Blackie Lawless (W.A.S.P.)
• George Lynch (Dokken)
• Yngwie Malmsteen
• Mick Mars (Mötley Crüe)
• Dave Murray (Iron Maiden)
• Vince Neil (Mötley Crüe)
• Ted Nugent
• Eddie Ojeda (Twisted Sister)
• Jeff Pilson (Dokken)
• David St. Hubbins (Spinal Tap) (interpretado por el actor Michael McKean)
• Rudy Sarzo (Quiet Riot)
• Claude Schnell (Dio)
• Neal Schon (Journey)
• Derek Smalls (Spinal Tap) (interpretado por el actor Harry Shearer)
• Mark Stein (Vanilla Fudge)
• Matt Thorr (Rough Cutt)

Guitarristas

• Craig Goldy (Giuffria)
• Vivian Campbell (Dio)
• Carlos Cavazo (Quiet Riot)
• Buck Dharma (Blue Öyster Cult)
• Brad Gillis (Night Ranger)
• George Lynch (Dokken)
• Yngwie Malmsteen
• Eddie Ojeda (Twisted Sister)
• Neal Schon (Journey)
• Dave Murray (Iron Maiden)
• Adrian Smith (Iron Maiden)

Bajistas

• Jimmy Bain (Dio)

Bateristas

• Vinny Appice (Dio)
• Frankie Banali (Quiet Riot)

Teclistas

• Claude Schnell (Dio)

Cine rock: "Crossroads"

No se confundan. No me refiero a la película "Crossroads" que hizo Britney Spears. "La encrucijada" o "Crossroads" es una película de 1986 protagonizada por Ralph Macchio. Si! El inolvidable Daniel San de la trilogía "Karate Kid". También actúan en la película Joe Seneca, Jami Gertz y Joe Morton.

La película esta inspirada en la leyenda de Robert Johnson, uno de los primeros músicos de blues. La leyenda cuenta que Johnson le vendió el alma al diablo para poder tocar buen blues. Este pacto se lleva a cabo en el mítico cruce de caminos de la Ruta 61.

Es aquí cuando encontramos a Eugene (Macchio), un joven estudiante de música clásica y un amante del blues, sobre todo de la obra de Johnson. Mientras trabajaba como conserje en un geriátrico, conoce a Willy Brown, un viejo músico que tocó junto a Robert Johnson en sus últimas grabaciones y quien también vendió su alma al Diablo para poder tocar la armónica de forma virtuosa. Eugene trata de convencerlo para hacerle escuchar una canción inédita de Johnson ("la canción perdida"), pero el viejo Brown sólo lo hará con una condición: Acompañarlo en un viaje a Memphis, la "tierra del Blues".

Con mas equipaje que una guitarra eléctrica (una Fender Telecaster), se dedican a tocar en bares que Brown conocía, y ganan algo de dinero con sus presentaciones, a cambio del reloj que le regaló su madre esto le permite a Eugene comprar una guitarra eléctrica y un mini-amplificador de 5 watts en una tienda de música/empeño.

En el medio del viaje conocen a una chica, quien las acompaña hasta el cruce de la Ruta 61 para encontrarse con el Diablo. Allí Eugene es retado por el mismísimo Diablo a un duelo de guitarras donde se decidiría el destino del alma de Brown. Si ganaba, se rompía el pacto y si perdía, el Diablo también tomaría el alma de Eugene. En esta gran escena, el retador es ni mas ni menos que el gran Steve Vai, quien no solo escribió todo el duelo sino que también tocó en verdad las partes donde tocaba Ralph Macchio.

Como salió este duelo? Averiguenlo ustedes mismos.

2 x 1: Videos con chicos (Parte 2)

Lo prometido es deuda. Vamos con la segunda parte de este 2 x 1 dedicado a videos en la que los protagonistas son los mas pequeños. Acá podríamos agregar un nuevo elemento en común entre estos dos videos que hoy paso a presentarles: Transcurren en la escuela.

Steve Vai ya desde sus épocas en las que estuvo en la banda de David Lee Roth y en Whitesnake (la banda de David Coverdale) ya era reconocido como un eximio y virtuoso guitarrista. En 1990 presenta el que es, a mi parecer, uno de sus mejores discos: "Passion and Warfare". Y de este disco se desprende este video, donde un pequeño Vai arma flor de revuelo en el colegio. Igualmente si les tengo que recomendar un tema de este disco, sin dudas les digo que escuchen "For the love of god", pero nos estariamos yendo de tema...

Y les dije que los dos videos de hoy tenian no solo como puntos de contacto que eran protagonizados por chicos y que además transcurrían en los pasillos de una escuela. Y este no es solo uno de los mejores ejemplos de un video de estas características, sino que es de los videos mas divertidos y graciosos de toda la historia del rock. Y no exagero! Aquí los hermanos Van Halen, junto con Michael Anthony y el inefable Diamond Dave nos muestran que no solo son una gran banda de Hard Rock sino que también pueden ponerse en la piel de fantásticos humoristas. Y también nos muestra este video que Alex Van Halen bailando es un gran baterista. Un gran tema de ese enorme disco que fue "1984", disco que seguramente nos encargaremos de repasar en nuestra sección "Discos que tenés que escuchar".

2 x 1: Videos con chicos (Parte 1)

Hoy el usar chicos para personificar a los miembros de una banda es un recurso que ya no se utiliza al parecer. Pero que a mi juicio me parece tierno! Eso demuestra que el rockero tiene un costado humano y sensible y que no necesariamente anda todo el dia arrancándole la cabeza a un pobre murciélago o adorando a Satanás.

Igualmente hay bandas que en buena parte de los ´80 y algunos años de los ´90 se ha hecho de esto una sana costumbre y en el 2 x 1 de Gloria al Rock vamos a encargarnos de repasar.

Acá en mi casa siempre se ha escuchado a Queen, siendo mi Viejo un fanático incansable de la banda de Mercury, May, Taylor y Deacon. Y yo heredando ese amor por La Reina Asesina. Por eso siempre el primer video que se me cruza por la cabeza cuando me pongo a repasar esta clase de videos es éste. Era 1989, plena época de "The Miracle" y para este tema, deciden usar a chicos, muy bien personificados por cierto! Tal vez la pifiaron un poco con Deacon junior porque no se parecía ni de casualidad al de verdad y los que hacían de Roger y Brian eran exactamente iguales (tampoco es muy dificil encontrar un chico rubio que se parezca a Taylor o un nene morocho con un afro para parecerse a May). Pero el que se lleva las palmas es el "cloncito" de Freddie! Además personificandolo al Rey en distintas épocas (en los ´70 con la malla con el torso al descubierto, el del Live Aid con la musculosa blanca y el brazalete de metal o el del Wembley ´86 con la famosa campera de cuero amarilla) saca al dedillo su histrionismo y sus movimientos en el escenario. Realmente fantástico!

En 1979 debutan unos tales The Cure. Y uno de esos temas con los que salían a la escena mundial del rock era "Boys don´t cry". O "Los chicos no lloran" si lo preferís en castilla. Yo no sé si éste es el primer videoclip con chicos de la historia del rock. Capaz le pifie, lo cual es mas que seguro... Tres chicos personificando muy bien a Robert Smith y compañia. Y con la particularidad que de fondo, detrás de un telón, están los verdaderos Cure tocando. Y aquí encontramos un punto en común con todos estos videos. Que siempre aparezca la banda original junto con los chicos.

Para el próximo post, tenemos dos videos mas con esta temática y que, además, tienen otro punto en común... Será cuestión de esperar a unos dias mas!

1/1: Mr. Big - "Addicted to that rush"

Hora de repasar el primer track del primer disco de las mejores bandas!

En el post que nos ocupa hoy, se trata de una banda de las muy buenas que hay hoy en el mundo, aunque un tanto subestimada en su pais de origen (EE. UU.) ya que en el lugar donde son inmensamente exitosos es en Japón. De Mr. Big me estoy refiriendo. Una banda que, personalmente, llegó a mis oidos por parte de la que vendría a ser la Madrina de este blog, que un día de estos la vamos a presentar en sociedad asique por el momento la vamos a nombrar como la Señorita G. Esta misma persona un día me recomendó que escuchase a esta banda y puedo decir que todavia hoy se lo estoy agradeciendo...

Mr Big se formó allá por el año 1988 cuando Billy Sheehan luego de su paso por la banda de David Lee Roth decide formar una nueva banda y para ello recluta al cantante Eric Martin, al virtuoso guitarrista Paul Gilbert y al baterista Pat Torpey.

La propuesta de la banda no llegaba a ser Glam como la gran mayoria de las bandas que salían en esa época en la tierra del Tio Sam sino que eran una auténtica banda de Hard Rock, con un gran trabajo en la parte vocal como hacía mucho que no se veía en bandas de rock internacionales (no llegaban a la perfección de Queen pero se les acercaba bastante), una gran muestra de virtuosismo a la hora de tocar los instrumentos. De mas esta decir que Gilbert y Sheehan son grandes referentes en lo suyo y considerados como dos de los mejores músicos de la actualidad, y sobre todas las cosas, una gran habilidad para escribir canciones gancheras y que lleguen a un gran espectro de fanáticos. Podían escribir desde hermosísimas baladas (tal es el caso de la archifamosa "To be with you", que pertenece al disco "Lean into it" de 1991) hasta canciones muy rockeras como la que nos trae hoy, que era el tema que abría su disco debut "Mr. Big", lanzado en 1989 bajo el sello Atlantic Records.

Con los años, curiosamente, la banda pega (pero no tanto) en su pais de origen y logran un inusitado éxito (debido a ello en gran parte a su mas grande hit, el anteriormente nombrado "To be with you") en tierras niponas, lugar donde tocan en infinidad de ocasiones y donde también graban discos en vivo y también graban el muy buen disco en vivo con el que vuelven a los escenarios con su formación (vale la pena aclarar que se disuelve la banda en 2002 con Ritchie Kotzen en lugar de Gilbert en la guitarra), que es "Back to Budokan".

En 2010 sacaron el disco "What if" y el año pasado nos vinieron a visitar tocando en el Luna Park, recital al cual no pude ir... Esperemos que Mr. Big vuelvan pronto, asi puedo darme revancha...

Discos que tenés que escuchar: "Innuendo" de Queen

Volvemos con esta sección en la que nos encargamos de recomendarte discos. Y qué dificil se me hace recomendar un disco de Queen! Una banda que escucho desde que estaba en la panza de mi Vieja y la cual tuvo el gran privilegio junto con mi Viejo (impulsada mas que nada por este último) de ver a La Reina en Velez en 1981. Pero esa es otra historia!

Decía que es muy dificil recomendar un disco no solo porque es una banda de la cual soy fanático, sino que también no quiero caer en obviedades. Para mi hubiera sido mas facil recomendarte "A night at the opera" por todo lo que ese disco conlleva (además de incluir "Bohemian rhapsody"), o bien recomendarte "The game" (uno de mis discos preferidos) o "Jazz", o bien "News of the world" o sino "A day at the races" (completando junto con "A night..." aquella saga de discos homenajeando en sus títulos a dos películas de los hermanos Marx). Pero decidí recomendarte "Innuendo" por varios motivos: El primero, porque es un disco épico, a la altura de los discos de los ´70 de Queen donde el Hard rock potente y lo operístico no se daban la mano, sino que se daban flor de abrazo; el segundo porque es el último disco que sacan Freddie, Brian, Roger y John y el tercero y mas importante porque Freddie, con su cruel enfermedad a cuestas le pone una garra impresionante y deja la vida en la voz regalándonos varias de sus mejores interpretaciones.

"Innuendo" fue lanzado el 4 de febrero de 1991, fue producido por la banda junto con David Richards y fue presentado en una época muy especial de la banda. Alejados de los escenarios desde 1986 y envuelto Mercury en una avalancha de rumores acerca de su estado de salud que mas tarde se encargaría de confirmar, pero no quiero adelantarme en la historia... "Innuendo" es el encargado de sustituir al muy buen disco "The miracle" y terminando de alejarse de su veta pop, que estuvo muy presente sobre todo en los años ´80. Este disco fue tal vez lo mas cercano que tuvo el fan de Queen con los discos de los ´70.

Abría con el tema que le daba nombre a la placa, un tema bien épico, con la participación con la guitarra española de Steve Howe (guitarrista de Yes) para darle ese aire de misticismo que hace tan fabulosa a esta canción.

El tandem de grosura musical se complementa con la burlona "Me estoy volviendo un poquito loco" ("I´m going slightly mad"). En el video de esta canción es el primero de esta etapa de "Innuendo" en la que se puede ver a Freddie (en el primer corte, que es el que le da nombre al disco, el video era mas animado que otra cosa) viéndoselo bastante desmejorado y muy delgado. Pero pese a eso, se lo ve sumamente vital y provocador.

Cierra este poderoso tándem un temazo muy rockero como "Headlong", en cuyo video volvemos a ver a Freddie y compañia haciendo de las suyas, divirtiéndose como chicos.

En el cuarto track Queen nos avisa que "No puedo vivir sin ti", la cual se cuenta que iba a ser incluida en un proyecto solista de May, pero sus compañeros lo convencen de incluirla en este disco.

El quinto tema es "Don´t try so hard" donde Freddie nos da cátedra con la voz. "Ride the wild wind" es el sexto tema de "Innuendo", tema bien arriba y el cual se dice que se lo dedico Taylor (escritor de este tema) para Mercury, el cual se estaba acercando lentamente a su cruel destino... "All god´s people" le sigue en el listado, un tema que a mi gusto personal es un tanto gospel en el tratamiento de las voces (por ahi le estoy errando fuleramente, pero es mi parecer personal...)

Y llegamos a un altísimo momento de "Innuendo", y tal vez uno de los mas tristes. Freddie en "These are the days of our lives" sin quererlo, se estaba despidiendo de nosotros. El video de este tema, completamente filmado en blanco y negro, dejaba ver a un Mercury muy desmejorado por el maldito SIDA (enfermedad que se encargó de negar muchas veces hasta el último dia de su vida) pero como siempre poniendole garra y corazón y mostrándose muy fuerte. Además fue el último video de la banda con los cuatro miembros originales.

"Delilah" es el noveno track del disco. Una tierna canción que Freddie se la dedica a su gata preferida. En "The hitman" se va todo al carajo, con un temazo superpotente demostrandonos que Queen podia hacerte emocionar y también te podia sacudir de lo lindo. Si en "The hitman" Freddie nos demostraba que no era necesario llegar al falsete para cantar notas bien altas, en "Bijou" (undécimo tema de "Innuendo") el que se encargaba de mostrar absolutamente todo su talento es Brian May punteando su Red Special como los dioses.

Para "These are the days of our lives" había dicho esa canción era un mensaje de despedida de Freddie para todos nosotros. Y en "The show must go on" nos dice que después del final (inminente, por cierto), "El show debe continuar". Un gran mensaje, sin lugar a dudas. Y una gran canción, sobre todo. Poderosa, emotiva, de esas canciones que calan bien profundo en los huesos. Un gran cierre para un gran disco.

Lamentablemente fue el último porque el 24 de noviembre de 1991, luego de pelear con valentía y gran coraje al cruel SIDA, Freddie Mercury entraba en la inmortalidad dejando un gigantesco legado y un enorme talento dificil de igualar. Como dice mi Viejo, "Freddie es como Gardel. Cada día canta mejor". ¿Quién puede dudarlo?


FICHA

Banda: Queen
Nombre del disco: "Innuendo"
Publicación: 4 de febrero de 1991
Grabación: marzo de 1989 a noviembre de 1990
Género: Hard Rock - Rock progresivo - Heavy metal
Duración: 53:44
Discográfica: Parlophone (Reino Unido) - Hollywood Records (EE. UU.)
Productores: Queen - David Richards

TRACK LIST

1. Innuendo (Mercury - Taylor) - 6:29
2. I´m going slightly mad (Mercury - Straker) - 4:10
3. Headlong (May) - 4:39
4. I can´t live with you (May) - 4:35
5. Don´t try so hard (Mercury - Deacon) - 3:39
6. Ride the wild wind (Taylor) - 4:41
7. All god´s people (Taylor) - 4:19
8. These are the days of our lives (Mercury) - 4:12
9. Delilah (Mercury - Deacon) - 3:32
10. The hitman (Mercury - May - Deacon) - 4:52
11. Bijou (May - Mercury) - 3:37
12. The show must go on (May) - 4:24

Cover me!: "Cum on feel the noise"

Allá por el 12 de febrero inagurábamos esta sección donde repasábamos covers. Y en esa pequeña introducción hablábamos sobre aquellos covers que resultaban ser mas conocidos que la versión original. Y como ejemplo sobre este hecho, poníamos a esta canción.

Originalmente fue grabada en 1973 por el grupo británico Slade, una banda glam que durante esos años fue muy exitosa, gracias a su hit "Cum on feel the noize", la cual esta escrita mal a propósito ya que se caracterizaban por escribir las letras de sus canciones con faltas de ortografía. Cosa que a mas de uno de mis amigos le irritaría sobremanera.

(La onda era poner el video original, pero Iutub me tiró la siguiente leyenda: "Inserción desactivada por solicitud"...)

En 1982 (unos 10 años después, mas o menos) Quiet Riot lanza el que a la postre sería su disco mas exitoso y el primer LP de Heavy Metal que se prende en la cima de los charts: "Metal Health". Dentro de ese disco (el tercero de su carrera) incluiría un cover de esta canción. Igualmente, 2 de los miembros de Quiet Riot (el cantante Kevin DuBrow y el baterista Frankie Banali) no querían grabarla e incluso trataron de sabotearla grabándola mal y tocando con desgano y pifiando notas para que la canción tenga un resultado final negativo, como para que la discográfica se negara a incluirla en el disco. De todas formas, el tema terminó incluyéndose en "Metal Health" y se convirtió en un boom.

YAPA!

Y ya que estamos, incluímos esta muy buena versión en vivo hecha por la banda de los Hermanitos Macana Noel y Liam Gallagher. A Oasis me estoy refiriendo.

2 x 1: Odas al barrio (parte 2)

Lo prometido es deuda. Vamos con la segunda parte de aquellas canciones donde la musa inspiradora ha sido el barrio donde habitaban nuestros grandes músicos.

El Abasto fue, es y será el barrio de Carlos Gardel. El barrio donde el Zorzal Criollo creció, se desarrolló e inmortalizó despues de haber llegado de su Francia natal (si, hoy me levanté con la idea de que Carlitos nació alla... Problem, uruguayos? :P). Pero otro que se encargó de inmortalizarlo para la eternidad fue Luca Prodan. Increíble como alguien proveniente de Italia y que creció en Inglaterra haya escrito una radiografía tan minuciosa como precisa del Abasto, a tal punto de convertirla en un clásico.

Si en algo se destaca Ricardo Iorio es en su tan particular manera de escribir canciones. En sus letras resume el ser argentino (si lo hace bien o mal, queda en el criterio de cada uno) y describe con lujo de detalles y con gran precisión las peripecias del trabajador y de la sociedad en su totalidad. El punto mas alto de esta manera de escribir canciones (que luego la desarrollaría con su actual banda, Almafuerte) la encontramos en el disco "Ácido argentino" de Hermética. Y como muestra, aparece "En las calles de Liniers". Chicos mendigando, bolishoppings, policias peleando con sus "hembras", gentes que se entregan ciegamente a la religión, chicas atorrantitas, todo eso observa Iorio en Liniers y nos aclara que todo esto "no es una invención" de su mente.

2 x 1: Odas al barrio (parte 1)

El barrio, para todas las bandas, siempre es (ha sido y será) una abundante fuente de inspiración a la hora de escribir canciones. Personajes, lugares, todo puede quedar testimoniado en una canción.

Así lo ha hecho 2 Minutos, banda proveniente de Valentín Alsina y que este mismo barrio le ha dado nombre a su primer disco lanzado allá por el ´94. Orgullosos de tener "algunos bares" y de ser un "barrio obrero", pero también denunciando que hay "linyeras pidiendo algo que morfar". A veces el Punk Rock también puede ser poesía y no tanto "1, 2, 3, va!". Es excelente ver como 2 Minutos en menos de "idem" minutos hace una elaborada descripción de su Patria Chica.

En otra detallada descripción barrial encontramos la de Rata Blanca. Provenientes del Bajo Flores (detalle los que no conocen a la banda no saben), Walter Giardino se preocupa en hacerle saber al que escuche esta canción que su barrio es un barrio jodido, donde la Policia siempre "buscaba antecedentes" ya que ellos siempre fueron "sospechosos y delincuentes". Y en su estribillo te avisa que si vas en taxi para allá "te pedirá que te bajes antes", como método de prevención tal vez...
Y como mencioné en el inicio del post, las canciones barriales siempre hacen referencias a personajes y lugares. Esta canción no es la excepción ya que menciona a los Bloke (banda Heavy de los ´80) y el Cementerio de Flores (lugar donde en los alrededores ha crecido Walter).

Este tema va a tener continuación en el próximo post, asique a no perdérselo!

Cine rock: "This is Spinal Tap"

No me considero un cinéfilo. Veo cine de vez en cuando, no todos los dias pero si cuando tengo ganas. Me gusta que venga alguien y me sugiera ver alguna peli, si es de culto muchisimo mejor y soy medio reticiente cuando me recomiendan alguna que recien se asoma a la cartelera. Voy a verla si el que me la recomendó es una persona que cuando me recomendó algo, a mi me gustó. Veo desde las mas infantiles posibles hasta dramas, pasando por las de aventuras, suspenso y comedia. Soy un enfermo por la saga de "Volver al Futuro", las de James Bond y las de Rocky. Me gustan las épicas y las de acción, sobre todo si hay fierros involucrados en las mismas. Y también si hay rock.

Y si me pongo a pensar, no tengo la menor idea de cómo llegué a esta película. Se quien fue el encargado de bajarla y grabármela en un DVD pero cual fue el disparador para el cual moleste a este amigo para que me la baje y me la grabe para poder verla cuantas veces quiera...

Si recuerdo que cuando la ví, reí a carcajadas.

"This is Spinal Tap" es una completa parodia al mundo del Rock. Pone en ridículo a TODOS los clichés del rockstar y se burla de todo lo que lo rodea. Este "rockumental", dirigido por Marty DiBergi (Rob Reiner) trata sobre una banda inglesa que jamás existió, por mas que los actores que personifacaban a los miembros de Spinal Tap (Michael McKean, como David St. Hubbins; Harry Shearer, como Derek Smalls y Christopher Guest, como Nigel Tufnel, por lejos mi personaje favorito de la película) hayan tocado varias veces en vivo, como por ejemplo en el Tributo a Freddie Mercury, y hayan grabado un par de discos.

Este rockumental cuenta como Spinal Tap llega a Estados Unidos para una gira promocional de su "nuevo" disco y muestra los pormenores de la misma. Incluso nos muestran los "principios" de la banda y su insólita maldición que pesa sobre los baterístas que pasaron por Spinal Tap. Son épicos y disparatados varios pasajes de la película, como cuando Nigel le muestra al director DiBergi su colección de guitarras y cuando le muestra el amplificador que llega hasta 11, o también cuando estan por salir del camarín al escenario se pierden en el camino y terminan dando varias vueltas hasta que logran llegar al destino. O, quizas el mas absurdo, es cuando para representar la canción que cuenta sobre Stonehenge el representante de la banda le lleva a una persona para que haga una maqueta del monumento con la ayuda de un plano previamente hecho por el inefable Nigel y se equivoca en la escala que debían utilizar para confeccionar la escenografía. Por lo que en lugar de ser una representación de Stonehenge en escala real termina siendo una de miniatura. Y para colmo salen a bailar dos enanos dejando a este mini Stonehenge en ridículo. Genial!

Incluso hay una perlita imperdible como es la aparición en un pequeño papel de... Fran Drescher! Si! La Nana Fine! Impresiona verla con varios años menos y su intacta e inconfundible voz de pito :P Y obviamente, para aquellos enfermos de Los Simpson (me incluyo), Spinal Tap aparece en un capítulo de los clásicos llamado "The Otto Show".

Los mismos actores grabaron todas las canciones que aparecen en la película y van desde un pesado Heavy Rock (que era el estilo que Spinal Tap tocaba en esa etapa de su "carrera") hasta un himno Hippie y un tema cuasiBeatle.

Una pelicula mas que recomendable para aquellos que nos gusta el Rock y, sobre todo, para aquellos que les gusta reirse un poco de los estereotipos del rockero promedio.

Pantera: La banda que borró su pasado.

Muchas veces, cuando somos grandes y nos acordamos de las cosas que hacíamos cuando éramos chicos, nos agarra un poco de verguenza con algunas pizcas de nostalgia. Por ejemplo, a mi me da verguenza recordar las cosas a las que le tenía miedo o a algunas cosas a las que jugaba cuando era chico. Y cuando fui creciendo y descubriendo esta hermosa música que es el Rock, me empecé a avergonzar de las cosas que escuchaba cuando era chico.

Al pasar eso, inconscientemente uno trata de olvidarse un poco de esas cosas que conforman su pasado, pero no las puede eliminar completamente de su memoria. Si uno analiza a Pantera con este criterio que acabo de demostrar, creo que podríamos entender un poco el porqué del contenido de este post.

Pantera nació allá por el año 1981, de la mano de los hermanos Abbott (el guitarrista Darrell Lance "Dimebag" y el baterista Vincent "Vinnie" Paul), el guitarrista Terry Glaze, el cantante Donnie Hart y el bajista Tommy Bradford.

Eran años en los que el Metal estaba pasando su mejor momento internacionalmente hablando y en Estados Unidos estaba en boga el Glam Metal. En sus principios tocaban covers de Van Halen y Kiss, bandas de las cuales fanatizaba Dimebag.

Para 1981 Hart se desvincula de la banda, tomando Glaze las voces y Rex Brown tomaría el lugar de Tommy Bradford. Con esta nueva formación (Dimebag, Vinnie Paul, Glaze y Rex) comienzan a girar y compartir escenario con Stryper, Dokken y Quiet Riot. Mientras tanto, graban su primer disco: "Metal magic".

Muy en la onda Glam metalera de entonces, cosa que seguiría siendo moneda corriente, aunque desapareciendo esta influencia progresivamente en los siguientes discos que pasaron bastante desapercibidos, como son los discos "Projects In The Jungle" y "I Am The Night".

Para el año 1986, la escena metalera mundial se ve conmocionada con la aparición de dos discos fundamentales para el desarrollo de un nuevo subgénero dentro del Metal: El Thrash. Los discos "Reign in blood" de Slayer y "Master of puppets" de Metallica pasaron a ser botones de muestra para las futuras bandas que querían hacer un Metal veloz, super agresivo y contundente. Hacia esos lares quería dirigirse Pantera y como Glaze no cuajaba en ese estilo, lo despiden y en su lugar llega Phil Anselmo.

Con esta nueva formación graban "Power Metal" en el ´88 y que ya mostraba un sonido mucho mas agresivo que sus antecesores y que sería la semilla del nuevo futuro de la banda. El que se vería en 1990 con un cambio rotundo no solo en su propuesta musical sino que tambien estética y de actitud. La que vendría con el disco "Cowboys from hell".



Y acá paramos un poco.

Porqué dije al principio del post que Pantera "se avergonzaba de su pasado"? Facil. Este "nuevo" Pantera era un giro de 360º respecto a aquel de 1981 tan Glam. Si hoy te fijás en la web oficial de Pantera o en cualquier sitio, vas a ver que en su discografia no aparecen ni "Metal Magic" ni "Power Metal" ni los otros dos discos que grabaron en ese período comprendido entre el ´81 y el ´88. La banda misma borró su pasado y "Cowboys..." podría considerarse como un segundo debut discográfico. O el primero, si ustedes quieren.

De ahí en mas, Pantera fue endureciendo mas aún su sonido, se fue haciendo mas agresiva su música a tal punto de considerarse por algunos como los creadores del Groove Metal (vertiente del Thrash que toma riffs mas pesados y densos y no se concentran tanto en la velocidad del Thrash).

Luego vinieron grandes discos como "Vulgar display of power" y "Far beyond driven" y una catarata de clásicos como "Walk", "This love", "5 minutes alone" y tantos otros. En el segundo lustro de los ´90 la adicción a las drogas de Anselmo poco a poco van destruyendo a la banda mientras Pantera saca dos discos mas: "The great southern trendkill" y ya para los 2000 "Reinventing the steel".

En 2003, los hermanos Abbott desarman Pantera y forman Damageplan, banda con la cual en 2004 sacan su único disco "New found power".

Lamentablemente, y como muchos de ustedes saben, el 8 de diciembre de 2004 (24 años después del asesinato de Lennon) Dimebag Darrell es asesinado por un ex Marine de los Estados Unidos culpándolo de haber desarmado Pantera...

1/1: Serú Girán - "Eiti Leda"

Luego de un par de días un tanto alejado del blog, retomamos con la sección que se encarga de repasar el primer tema del primer disco de las mejores bandas.

La banda que nos ocupa hoy es ni mas ni menos que Serú Girán, "Los Beatles" argentinos como dicen algunos. Para quien escribe, uno de los grandes supergrupos argentinos.

Formada en 1978 tras la separación de La Máquina de Hacer Pájaros (si te gusta el rock progresivo, no dejes de escucharla!), banda del genial Carlos Alberto García Moreno. Charly junto a David Lebón se embarcan a un viaje a Buzios (Brasil) con el pretexto de componer canciones para un nuevo disco, pero de ese viaje mas que un disco bajo el brazo se traerían una banda. Llegados de Buenos Aires, García conoce a un joven y talentoso bajista llamado Pedro Aznar y a la banda también se sumaría Oscar Moro, quien ya habia tocado con Charly en La Máquina... y Billy Bond, con quienes formarían "Billy Bond and The Jets". Tras solamente un disco ("Discoshock") Billy Bond desarma el proyecto y quedaría formado lo que posteriormente sería llamado "Serú Girán".

Los comienzos de la banda fueron verdaderamente ambiciosos. En 1978 sacan el primer disco, simplemente llamado "Serú Girán" donde cuentan con arreglos orquestales realmente soberbios. Pese a las buenas intenciones que mostraba la banda, musicalmente hablando, esto no fue muy bien recibido por el gran público. Incluso sus primeros recitales terminaban con la gente arrojándole cosas, por ejemplo durante un festival por culpa del pésimo sonido con el que contaban, la gente le arrojó las pilas de los grabadores que llevaban para "piratear" el recital (como verán, piratear un recital es junto con la prostitución uno de los oficios mas antiguos del mundo...). Peor sería durante un recital en el Luna Park cuando tocan "Discoshock" (tema hecho durante la época con Billy Bond), que es mas bien una sátira de la música disco la gente cree que era en serio que estaban tocando música Disco y comienzan a abuchearlos.

Mas bien se podría decir que en sus principios, lo que quería mostrar Serú o no era comprendido por el gran público o no había sabido expresarlo correctamente.

Volviendo un poco al disco, el mismo abría con "Eiti Leda", un verdadero himno y con los años convertido en un clásico. Ese disco también contaba con otra célebre y bella canción como es "Seminare".

Igualmente la taba se dió vuelta y el público terminó aceptando la propuesta de la banda a tal punto de convertirse en una de las grandes bandas argentinas de rock de todos los tiempos. No solo por lo que proponía Serú musicalmente (con canciones mas directas en los discos siguientes y no con tantos arreglos como en este disco que estamos repasando) sino también por haber contado en sus filas con eximios músicos como Charly, el Ruso Lebón, Aznar y Moro.

Se volvieron a juntar en el ´92, once años después de su separación para grabar un disco ("Serú ´92") y dar una serie de shows en el Estadio de River. Hoy con Charly lejos del reviente de otros años y con Lebón y Aznar en gran nivel musical y compositivo sería mas que dificil una re-reunión ya que no esta mas con nosotros Oscar Moro, ya que nos dejó en 2006.

Igualmente es bueno seguir recordándolos con los discos que nos dejaron como legado.

Cover me!: "Since you been gone"

Seguimos repasando algunos covers. Como siempre, comenzando con su versión original y el cover del mismo.

Para 1979, Rainbow y mas que nada Ritchie Blackmore, buscaba conquistar de una buena vez el mercado de los Estados Unidos, cosa que siempre le ha sido esquiva. Por eso decide cambiar el rumbo musical hacia algo mas comercial, mas accesible al gran público como en esos años rompían las listas de los mas vendidos dentro del rock Foreigner, REO Speedwagon y Journey. Blackmore le plantea cuales son sus planes a Ronnie James Dio y éste decide dar un paso al costado (Bien que hizo porque sino nunca hubieramos podido disfrutar de ese discazo de 1980 como fue "Holy Diver"). Si bien se queda Cozy Powell, el resto de la banda se desarma, y es por eso que Ricardito llama a su viejo compañero de Purple, el bajista Roger Glover. Tambien son convocados el tecladista Don Airey (quien, ¡oh! casualidad, es hoy tecladista de Deep Purple, la ex banda de su entonces "patrón" Blackmore) y el desconocido cantante australiano Graham Bonnet.
Con esta nueva formación, Rainbow graba "Down to Earth" y uno de los temas que se desprende de ese disco es este que van a ver a continuación (N de R: Recomendamos igualmente de esta placa los temas "Lost in Hollywood" y "Eyes of the World")

13 años después, es decir en 1992, un "desempleado" Brian May (recordemos que un año antes nos dejaba Freddie Mercury llevándose consigo a Queen) decide volver a los escenarios y arma una nueva banda y para hacer mas interesante este regreso triunfal, con disco incluido (recomiendo escuchar "Back to the Light", un gran disco de May) decide llamar a Cozy Powell para hacerse cargo de los parches.
Y como un ex-Rainbow estaba en la banda, no venia para nada mal hacer en 1993 durante un recital en Londres un cover de "Since you been gone".

2 x 1: Baladas de Heavy Metal Nacional

Otra sección nueva mas y van...

Señores, volvio el "Deme dos" y no estamos en 1979... Esta sección va a estar dedicada a meter dos videos con una temática en especial. Hoy nos abocaremos a baladas del Heavy Metal Argentino. Seria bastante sencillo poner "Mujer Amante" de Rata Blanca y "Te recuerdo" de Bravo, pero ya de por si el post se haría bastante aburrido y monótono (Aparte que me van a cagar a trompadas si considero a Bravo como una banda Heavy, porque eran mas Soft que otra cosa...).

Por eso, para hacerlo mas interesante, vamos a poner 2 videos de bandas no muy conocidas por el gran público.

Empezamos con Alakran. Banda liderada por Mario Ian, de pasado en Hellion, una banda contemporánea de V8 y del Riff con JAF y Oscar Moro, que apenas grabó un disco y se hizo mas conocida por su imagen que por su sonido, tan emparentada con las bandas Hair Metal de California como Motley Crue, Cinderella y otras; y de futuro en Rata Blanca, siendo cantante luego de la partida de Adrian Barilari a fines de 1993 y con los cuales grabaría "Entre el cielo y el infierno", uno de los discos mas pesaditos de la banda de Giardino y compañia.
Con Alakrán grabaría unos pares de discos ("Vagabundear" y "Otra vez en las calles") y se hicieron bastante conocidos en una época de renovación para la escena metalera argentina, junto con Rata, Kamikaze, Hermetica, Horcas y tantos otros.
En el ´93 se separan pero vuelven para grabar un disco en el ´97, llamado simplemente "Alakran".
Hoy en dia siguen girando esporádicamente, como para que esa época dorada del Heavy Nacional no muera asi nomas.

Para terminar, vamos con Escocia. No amigo, no era Bon Jovi en castellano... Escocia fue una banda efímera, que apenas grabó un disco ("Una noche con vos", de donde proviene esta canción) y que como grandes logros cosecha el haber tocado en un "Halley en Obras" con Riff, Lethal y Alakran y porque en el grupo pasaron cantantes como CAE y Gabriel Marian, otro ex cantante de Rata.
Hace unos años volvieron a girar, e incluso grabaron un disco. Pero nada mas.

Discos que tenés que escuchar: "Volumen 3" de Pappo´s Blues

Hace unos dias se cumplió un nuevo aniversario de la absurda muerte de nuestro mayor valuarte dentro de las seis cuerdas: el inefable, inolvidable e irremplazable Norberto Anibal Napolitano, "Pappo" para los amigos.

No vamos a ahondar en detalles biográficos que nos desvien del objetivo de este post. Si decir que el Carpo nació un 10 de marzo de 1950 en el barrio de La Paternal, barrio en el que vivió siempre, a pesar de algunas varias excursiones a Europa, mas precisamente en Inglaterra, donde se empapó de Motorhead y de toda la movida heavy inglesa, que serían la semilla de donde germinaría Riff y a Estados Unidos, donde tocó con el enorme BB King en el Madison Square Garden y codearse con los grossos del Blues.

Para 1973, Pappo luego de haber pasado por grandes bandas del por entonces naciente Rock Argentino como Los Gatos, La Pesada y los primitivos Abuelos de la Nada (a no confundirse con Los Abuelos de "Sin Gamulán" y "Mil Horas") ya tenía 2 discos en su haber con "Pappo´s Blues". En este año, son de la partida Héctor Pomo Lorenzo (ex compañero del Carpo en Los Abuelos y que mas adelante sería parte de Invisible) y Carlos Alberto Machi Rufino (otro que en el futuro seria parte de Invisible, con el Flaco Spinetta).

Que vas a encontrar cuando pongas "Volumen 3"? Blues. Nada mas que blues. Pero mirándose en el mismo espejo de Cream. Blues bien tocado pero con uan densidad sonora importante, al término de coquetear con el Rock Pesado, ese que empezaría a abrazar Pappo con Aeroblus y con el que se terminaría casando con Riff (y no me vengan con que Riff era Heavy Metal! Insisto con que eran una banda de Hard Rock... Pero esa ya es otra historia!)

Temas pesados, con una distorsión importante pero dentro de una linea blusera bien marcada, como en toda la discografía del Carpo. Ahondar sobre las cualidades de él con la guitarra creo que estan de mas. "Volumen 3" cuenta en grandes cantidades con riffs potentes y simples ("Sucio y desprolijo" es un ejemplo mas que elocuente), una lírica lindando con lo surrealista ("Sandwiches de miga"), un instrumental demoledor ("Stratocaster Boogie"), blues fenomenales ("Siempre es lo mismo nena", "El sur de la ciudad") y rock and roll cortito y al pie ("Pájaro metálico" y "Trabajando en el ferrocarril").

De los 7 volúmenes (8 si contamos "Caso cerrado"), es de los discos mas logrados y potentes de Pappo en toda su trayectoria. Algunos podrán decir que "Buscando un amor" es su mejor disco. Y puede que tengan razon, es un disco grabado en una época muy especial para el Carpo (no porque sea el último que grabó) y sobre todas las cosas, esta magníficamente grabado. Creo que es el disco mejor grabado de toda su discografía, incluyendo la de Riff. Pero creo que para el que gusta del buen rock and roll y el blues, se va a casar para toda la vida con "Volumen 3".

Pomo, Pappo y Machi. La formación que grabó "Volumen 3" en 1973.

FICHA:

Banda: Pappo´s Blues
Nombre del disco: "Volumen 3"
Publicación: 1973
Género: Hard Rock/Blues
Discográfica: Music Hall

TRACK LIST:

LADO 1

1. Stratocaster Boogie (Instrumental) (1:99)
2. Pájaro metálico (2:21)
3. Sucio y desprolijo (4:33)
4. El sur de la ciudad (2:28)
5. Sandwiches de miga (3:02)

LADO 2

1. El brujo y el tiempo (2:17)
2. Trabajando en el ferrocarril (1:08)
3. Caras en el parque (3:50)
4. Siempre es lo mismo nena (6:05)

Mash-up machine: Super Jumper (ABBA vs. Van Halen)

Que pasa si tomamos dos canciones y las metemos en una de esas multiprocesadoras que tienen nuestras madres en casa? Que es lo que sale al final? En esta sección, averiguaremos que es lo que sucede. En el dia de hoy, agarramos la dulce "Super Trouper" del cuarteto nórdico ABBA que con la archimegarecontra maraca "Chiquitita" se hicieron recontra conocidos y lo mezclamos con ese himno al sintetizador como es la grandiosa "Jump" del grupo de los hermanos Eddie y Alex Van Halen, del enorme David Lee Roth y del dueño del bajo mas groso de la historia, el que tiene forma de etiqueta de Jack Daniels, de Michael Anthony me refiero precisamente.

Bueno, agarramos esas dos canciones y al final se van a enterar que es lo que sale.

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1/1: Iron Maiden - "Prowler"

Segundo post de esta sección que dimos en llamar "1/1" donde repasamos el primer track del primer disco de las mejores bandas.

Iron Maiden, una de las grandes bandas del Heavy Mundial, nació paradójicamente en un momento donde las tendencias musicales iban hacia otro lado. El metal en Inglaterra estaba muerto, las bandas en esos tiempos o tocaban punk... O tocaban punk! Y asi en 1976 (plena época de auge del movimiento punk con Sex Pistols a la cabeza) debuta esta banda con Steve Harris a la cabeza en el bajo, Dave Sullivan, Terry Rance en las guitarras, Ron "Rebel" Matthews en la bateria y Paul Day en la voz. La banda toma su nombre de una herramienta de tortura medieval llamada "la doncella de hierro".

Ya para diciembre de 1979, y con varias modificaciones previas en su formación que a esa altura eran Harris como siempre en el bajo, Dave Murray en guitarra, Dennis Stratton en guitarra y coros, Clive Burr en bateria y Paul Di´Anno en voz, graban lo que sería su primer disco, llamado simplemente "Iron Maiden" en cuya tapa aparece lo que sería la marca registrada de la banda: "Eddie", el miembro invisible de la banda, el que aparecería en todas las tapas de la banda y cambiando su forma sea cual sea la temática del disco (Un guerrero del futuro en "Somewhere in time", un enfermo mental en "Piece of mind" o un emperador egipcio en "Powerslave", por ejemplo).

Si en el debut de la banda, en 1976 la escena estaba dominada por el Punk Rock para 1980, año del lanzamiento de su primer disco, el que estaba contra las cuerdas era el Punk mismo y el Metal estaba renaciendo de sus cenizas. Judas Priest estaba lanzando el mítico "British Steel", aparecian bandas como Def Leppard (por mas que tomaria un rumbo mas comercial, nacieron como una banda genuinamente Heavy) y tambien Iron Maiden, Saxon y Samson, banda que tendría vital importancia en el futuro de Iron Maiden ya que su cantante era nada mas ni nada menos que Bruce Dickinson, pero esa ya es otra historia...

Estas nuevas bandas conformarían lo que se dió en llamar la Nueva Ola del Heavy Metal Británico o la NWOBHM, ya que sería la renovación del género antes dominado por grandes baluartes como Black Sabbath, Led Zeppelin y tantos otros.

Volviendo a lo que traia "Iron Maiden", era una renovación respecto al Heavy que se conocía en aquellos tiempos. Adrenalina punk, no solo en sus acordes sino que también en la voz de Di´Anno y además, el duo de guitarras le daban a la banda un sonido característico que se iría acentuando con el correr de los años.

El disco abría con "Prowler", un tema que resumiría todo lo que Maiden haría en esos primeros años con Di´Anno en la banda, es decir una banda coqueteando con el Punk en estética y en la voz. Además aparecían otras joyitas como "Running Free", un clásico de esa época y la mítica "Iron Maiden".

"Iron Maiden" sería el primer eslabon de una larga cadena en la que la banda se afianzaría dentro de la escena Metálica convirtiendola en una de las bandas mas importantes del género en todo el mundo y además iría evolucionando, no solo musicalmente sino que tambien en su formación teniendo como el cambio mas relevante el de Di´Anno por Bruce Dickinson, que a la larga sería "EL" cantante de Iron Maiden, no solo por su versatilidad como cantante sino que también por lo que representa como frontman y por su personalidad.

Bueno gente, espero que les haya gustado este repaso de lo que fue el primer tema del primer disco de Maiden y de un mini repaso de lo que fue su primera época y el contexto en el que se desenvolvieron.

Será hasta la proxima!

Discos que tenés que escuchar: "Machine Head" de Deep Purple

Inaguramos OTRA sección mas en este humilde blog. Este, por si no te diste cuenta al leer el título, va hablar acerca de aquellos discos que tenes que escuchar SI o SI. Comencemos!

Nos vamos para Inglaterra... No, mejor nos vamos para Montreaux, en Suiza. Allí cinco muchachos llamados Ritchie Blackmore, los tocayos Ian (Gillan y Paice), Jon Lord y Roger Glover se meten dentro del Gran Hotel para grabar su próximo disco, el predecesor de "Fireball". Deep Purple venía haciendo muy buenos discos (al menos con su actual formación, la llamada "Mark II") pero les faltaba meterse de lleno en la Historia del Rock, cosa que lográs con una gran canción y un gran disco.

La elección del lugar de grabación fue mas que nada para aprovechar la buena acústica que le proporcionaba ese hotel suizo. Desde diciembre de 1971 comenzaron con las sesiones, donde las nuevas canciones comenzaron a tomar forma. Hasta que un evento hizo que diera origen a una canción en especial y que haría que el disco tomara un giro inesperado.

El 4 de diciembre de ese mismo año, los Purple asisten al recital que Frank Zappa and the Mothers of Invention daría en el Casino de Montreaux. Todo transcurrió sin novedades hasta que un fan lanza una bengala originando un incendio que devoraría el lugar en pocos instantes. Cualquier semejanza con la Tragedia de Cromañon es pura coincidencia...

Y es aquí cuando cuenta el mito que uno de los integrantes al ver desde la orilla del lago Ginebra como del voraz incendio salia como una espesa nube de humo saca un papel y una birome y escribe: "Smoke on the water".

No solo el evento se haría célebre con el correr de los años sino que la canción muchísimo mas. Un riff sencillo, tan sencillo que cualquiera aun sin saber tocar la guitarra intentaría sacarlo, pero no por eso poderoso. Además de contar este hecho desgraciado, sería como una especie de bitácora de lo que sucedío en esos dias de grabación del disco que pasaria a llamarse "Machine Head".

Pero este disco no es solamente "Smoke on the water" y nada mas. El LP, salido el 10 de marzo de 1972 lo abre la vertiginosa y potente "Highway star", la "Estrella del camino". Un gran tema digno de ser escuchado en tu Torino mientras surcás de punta a punta la Ruta 40. Después de esta canción un trio de canciones de puta madre como "Maybe i´m a Leo", la grandiosa "Pictures of home" y "Never before". El quinto track correspondía a "Humo sobre el agua" (como rezaría cualquier versión argentina de este disco durante los ´70) y luego de este infernal temazo, pónganse de pie porque llega lo que tal vez es uno de los mejores temas del disco.

En mi podio personal queda en primer lugar, luego de "Highway star" y "Smoke...". Un tema que arranca a puro Hammond de la mano del genial Jon Lord y lo que amaga ser un instrumental con Paice a puro machaque, Glover acompañando la gran base rítmica que arma el zurdo baterista y Blackmore riffeando de lo lindo termina siendo un enorme rock and roll con Gillan cantando sobre un vago que no sabe hacer otra cosa que quedarse en su cama, aun sin tener dinero en sus bolsillos. Y ni hablar cuando Ian pela la armónica y se pone a improvisar sobre la marcha. Si señores, estoy hablando nada mas y nada menos que de "Lazy", o "Haragán" si usted lo prefiere en castilla. Los mejores 7 minutos 19 segundos del disco!

"Machine head" termina con el séptimo track que es otro gran tema como es "Space truckin´". Un dignísimo cierre para un gran disco.

En poco menos de 40 minutos, los Purple tocaban el punto máximo de la perfección rockera. Escucharlo salteado es un gran pecado. Aunque en tiempos de mp3 es poco mas que dificil hacerlo, yo les diria que lo hagan. No tiene desperdicio. Es un gran disco grabado en un gran momento de la banda. Luego de este disco ya nada sería igual para la banda. Y para la historia del Rock en si. Porque Deep Purple, con "Machine Head" hicieron historia...


FICHA:

Banda: Deep Purple
Nombre del disco: "Machine Head"
Publicación: 10 de Marzo de 1972
Grabación: 6 de diciembre - 21 de diciembre de 1971 en Montreaux, Suiza
Género: Hard Rock
Duración: 37:25 (edición original)
Discográfica: EMI/Purple (Reino Unido); Warner Bros. (EE.UU.)
Productores: Deep Purple

TRACK LIST:

1. Highway Star (6:05)
2. Maybe I´m a Leo (4:51)
3. Pictures of Home (5:03)
4. Never before (3:56)
5. Smoke on the Water (5:40)
6. Lazy (7:16)
7. Space truckin´ (4:31)

Cover me!: "Take on me"

Inaguramos otra nueva sección en este humilde blogcito.

Personalmente los covers son una parte de la música que me interesa muchisimo. Es fascinante a veces descubrir que los homenajes, las reversiones a veces vienen de lugares insospechados. ¿Cuantas veces habrás escuchado un tema de rock versionado en cumbia villera? Incluso también sucede algo curioso. La canción que vos pensas que es de una banda resulta ser el cover de otra banda, e incluso el éxito viene de la mano del cover y no de la versión original. Un ejemplo muy conocido para aquellos entendidos de la música es "Cum on feel the noize" de Quiet Riot que en realidad esta canción pertenece al grupo Slade.

Y así con tantas otras bandas mas!

Generalmente los covers que mas me gustan son aquellos en que el cover se despega radicalmente de la versión original. Tal es el caso que nos trae en el dia de hoy, la canción "Take on me", originalmente grabada por el grupo A-ha en el año 1985 (Si, el mismo año en el que Marty McFly y el Doc Emmet Brown iniciaban sus viajes por el tiempo...)

11 años después el grupo Reel Big Fish reversiona este mismo tema pero en clave ska punk. Bastante lograda por cierto, con buenos arreglos de vientos y mucha fiesta por detrás.

Espero que con este post se enamoren tanto de los covers como quien les escribe.

1/1 : Carajo - "Resistiendo con Ideas"

De que se trata 1/1? Pues bien. En esta nueva sección hablaremos específicamente sobre el primer tema del primer disco de una banda en especial. Y hacer una mínima reseña sobre la banda en cuestión. Comencemos!

Asi como V8 debutaba con su disco "Luchando por el Metal" durante una época muy especial del pais (casi finalizando la Dictadura Militar o el mal llamado "Proceso de Reorganización Nacional"), Carajo también debutaba discográficamente durante una época bastante movidita de esta Argentina, como fue la del post-quilombo del 2001 con la renuncia de De la Rua, cacerolazos y los nosecuantos presidentes en una semana.

Carajo nacía luego de que Marcelo Corvalan (Corvata para los amigos) y Andrés Vilanova se van de A.N.I.M.A.L. luego de grabar cinco discos con la banda de Andrés Gimenez. Posteriormente a la separación convocan a Hernan "Terry" Langer para hacerse cargo de las guitarras y es ahi cuando nace Carajo, en el año 2000.

En el 2002 sacan su primer disco, "Carajo" donde el primer track es el tema que acompaña a este post. Con un sonido muy cerca de lo que fue A.N.I.M.A.L. en su momento (una de las primeras bandas en traer el groove metal que tenia a Pantera y Sepultura como sus grandes exponentes) aunque ya mas coqueteando con el Nü Metal que en esos años estaba muy en boga con bandas como Korn, P.O.D, entre otras tantas que pasaron sin pena ni gloria. Carajo procesó todas esas influencias en un sonido propio y personal y con letras mas cercanas a lo espiritual, aunque también lindando la crítica social y la combatividad.

La banda se afianza durante los años siguientes con discos como "Atrapasueños", "Inmundo" y "El Mar de las Almas" entre tantos otros discos mas.

No me temblaria el pulso si digo que Carajo está entre una de las mejores bandas argentinas no solo por la propuesta musical que plantea sino que también por todo lo que trae detras.

"Queen" con nuevo "cantante".

Según se comenta, Queen (o lo que queda de Queen, es decir Roger Taylor y Brian May) anunció que el nuevo vocalista de la Reina será Adam Lambert, ex concursante de American Idol.


Es curioso no? Porque, que yo sepa, Queen nunca dejó de tener cantante. Siempre lo ha sido, y siempre lo será, el eterno Freddie. Si bien no lo tenemos físicamente, mientras su música viva y se siga escuchando, el también vivirá.



Siempre he creido que el cantante ideal para la banda (no para Queen ya que considero que murió junto con Mercury, porque él era el alma de Queen) fue George Michael. Por personalidad y por registro vocal. Las pruebas estan a la vista, sino vean este video:



Paul Rodgers no me terminó de cerrar nunca, por mas que haya hecho giras exitosas con May y Taylor. Hay que ver como se la banca este chico cantando las canciones que nos legó el enorme Freddie.

En conclusión, no me parece mal que los buenos de Brian y Roger decidan salir de gira con este chico. Lo que si y me parece una completa blasfemia, es que se sigan llamando Queen sin Freddie y sin John Deacon, que ha tomado la sabia decisión de no participar de ninguna reunión posterior al deceso de Mercury.

BlancaRata y sus # cantantes (Segunda parte)

En el anterior post hablábamos sobre los inicios de la Rata y como la banda da con Adrian Barilari, quien fue el encargado de grabar su segundo disco, lanzado oficialmente en 1990. Tras el lanzamiento de “Magos, espadas y rosas” la banda se embarca en una maratónica gira llamada “Por el camino del sol” por todo el pais cosechando éxito tras éxito gracias a canciones que se metieron dentro del corazón de la gente como “La leyenda del hada y el mago” y el hit “Mujer amante” que trascendió las barreras del público heavy para instalarse en el ámbito popular. Incluso sobre este tema se cuenta que uno de los que estaba durante la grabación de este tema auguró con mucha precisión que esta canción seria exitosa con una frase contundente: “Este tema tiene olor a guita”…

Lo que vinieron después fueron extensas giras a lo largo y a lo ancho del pais, visitas en cuanto programa de radio y televisión hubiera, incontables tapas de revistas dedicadas a ellos y el reconocimiento de la gente y de los medios especializados.
Entre medio de todo éxito, hubo otro disco más: “Guerrero del Arco iris”, con el cual tocaron el cielo con las manos a fines de 1992 con un inédito recital para una banda heavy argentina en el estadio de Velez Sarsfield (recital en el cual actuaron como teloneros Attaque 77), además de una presentación con una Orquesta de Cámara.

Para fines de 1993, ya como terminando un exitoso ciclo hacen ver la luz al EP de cinco temas “El libro oculto” ya con un sonido mucho mas duro que los anteriores discos lo cual no solo no fue mucho del agrado de los fans (mas que nada de aquellos que no eran específicamente del público roquero, sino de los demás) y pareciera también que de algunos integrantes de la banda. Bistolfi el tecladista está en desacuerdo con el rumbo musical que queria imponer Walter por lo que toma la decisión de retirarse de la banda. Decisión que mas tarde tomaría Barilari. Estos dos, mas tarde formarían el dúo Alianza, banda que contaría mas adelante con tres discos en su haber.

Y otra vez sopa! No solo se quedaron sin tecladista, aunque no por mucho tiempo ya que se incorporaría Javier Retamozo, sino que también se quedaron sin cantante una vez mas.
La solución seria Mario Ian. Conocido por sus pasos por bandas célebres dentro del medio local como Hellion (una de las primeras bandas hair metal del pais) y Alakrán sería el que tomara la batuta a la hora de cantar. Con nuevos integrantes, pareciera que para Walter la opción era innovar y experimentar cosas nuevas con la banda. El resultado fue “Entre el cielo y el infierno”, un disco MUY heavy para lo que estaba acostumbrado el público ratero que sin embargo fue muy bien recibido.
Sin embargo, esta formación Ian-Giardino-Rowek-Sanchez-Berdichevksy-Retamozo no duraría mucho ya que en 1996 se va Mario de la banda, por motivos jamás aclarados y otra vez la burra al trigo. La Rata se queda sin cantante…

Creo que a esta altura mas de uno perdió la cuenta de cuántos cantantes pasaron por esta pintoresca banda. Desde el primer disco hasta el hasta ese momento último disco pasaron 3 cantantes, aunque pareciera que pasaron muchos mas…

En 1997 ya con los medios que prácticamente no le daban ni cinco de pelota Rata se embarca en buscar un nuevo cantante. Hasta que apareció Gabriel Marian. Y usted se preguntará quién es este muchacho? Pues bien, tuvo un breve paso por Escocia y por algunas bandas no tan relevantes y no mucho más. Con este clon de Jon Bon Jovi (en la manera de cantar, claro esta) graban “VII”, un disco que los fanáticos no recuerden con mucho cariño no porque el disco fuera malo (aunque, personalmente, en comparación con anteriores discos es uno de los mas flojitos) sino porque a fines de ese año Giardino decide parar la pelota y separar la banda.

Que pasó después? Giardino forma Temple, con la cual en 1998 lanzan un excelente disco que tranquilamente podría haber llevado el nombre de Rata Blanca; Rowek y Berdichevsky forman Nativo; Sanchez forma unas pares de bandas que pasarían sin pena ni gloria y Marian y Retamozo se pierden de vista.

Pero un buen día del año 2000 parece que Walter se aburrió de los integrantes que tenia en Temple y decide ir llamando de a poco a sus antiguos compañeros de Rata para sumarse a Temple. Primero fue Barilari, después fueron Bistolfi y Sanchez hasta que “voilá”! Ya eran Rata Blanca de nuevo. Y ustedes se preguntarán “Y Rowek y Berdichevsky?”. Pues bien, ellos decidieron concentrarse en su proyecto Nativo, por lo que no quisieron formar parte de este “comeback roedor”. Y ahí me vuelven a retrucar “Ahora van a tener que conseguir baterista no?”. No señor. Lo tenían al alcance de la mano. Se trata de Fernando Scarcella, quien estuvo en los últimos shows de Temple y por esas obras de la casualidad, se convirtió en batero de Rata. No hubo necesidad de buscar un segundo guitarrista como en los viejos tiempos por lo que ahora la banda era un quinteto.

Lo demás es historia conocida. Un regreso triunfal primero con un disco recopilatorio llamado “Grandes canciones” que incluía una versión acústica de “Mujer amante” y en 2002 el primer disco de estudio en casi 4 años que fue “El camino del fuego”, el cual es a mi opinión personal el mejor de esta segunda etapa Ratera, a los que le siguieron después “La llave de la puerta secreta” y “El Reino Olvidado”. Luego fueron shows multitudinarios en todos los puntos del pais y el exterior, solos o con músicos grossos como Glenn Hughes (ex bajista de Deep Purple y cantante de un Black Sabbath que del clásico Sabbath solo tenía el nombre…), Tarja Turunen (cantante de Nightwish) e incluso se dan el gustito de grabar un disco en inglés con Doogie White (ex cantante de Rainbow).

Igualmente, no todo fue color de rosas en este tiempo ya que en 2010 Hugo Bistolfi decide dejar la banda (como siempre, por motivos que no fueron aclarados) por lo que decide tomar la posta Danilo Moschen.

Y asi es que hasta el dia de hoy Rata sigue su camino. Para resumir, desde 1988 pasaron 4 cantantes, 2 bateristas y 3 tecladistas. No será mucho?